7 remek -djela Ermitaža koje vrijedi vidjeti 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zadnja promjena: 2023-12-16 00:07

Znanstvenici su odavno dokazali da umjetnost blagotvorno djeluje na zdravlje ljudi smanjujući razinu tjeskobe i stresa u tijelu. To se posebno odnosi na likovnu umjetnost i kontemplaciju o lijepom. Stoga, kako bi 2020. godina bila ispunjena povoljnim stanjem tijela i duha, vrijedi posjetiti Ermitaž i vidjeti najpoznatije ekspozicije muzeja.

"Apostoli Petar i Pavao" El Greca

El Greco jedan je od najsjajnijih i najoriginalnijih umjetnika. Grk podrijetlom, slikarstvo je studirao u Italiji u radionici velikog Ticijana. Tehniku ulja naučio je od svog idola, a inspiriran je i umjetničkim tehnikama talijanskog manirizma. El Greco se među svojim kolegama isticao po originalnosti dramatično izražajnog stila. U svojim je portretima veliku pozornost posvećivao psihološkoj karakterizaciji. Na ovoj slici iz Ermitaža umjetnik predstavlja dvije različite vrste ljudi. S lijeve strane je apostol Petar koji je tri puta poricao postojanje Krista. Njegovo lice odaje tugu i neizvjesnost, dok su mu geste prožete pokajanjem i dovom. Apostol Pavao, koji je, kao što znate, izvorno bio revan progonitelj kršćana, na slici pokazuje duhovni žar u potvrđivanju istine. Geste rukama koje čine kompozicijsko središte djela izražavaju dijalog koji ujedinjuje dva apostola.

Prosijedi Petar, umotan u zlatnu halju, nagnuo je glavu u stranu. U lijevoj ruci drži svoj simbol - ključ Kraljevstva nebeskog. Pavel čvrsto pritisne lijevu ruku na otvoreni volumen na stolu, desna mu se ruka podiže u gesti pojašnjenja kada gleda izravno u gledatelja. Sveti Petar i Pavao pojavljuju se mnogo puta u djelu El Greca i prikazani su s upečatljivom dosljednošću. Umjetnik uvijek prikazuje Petru sijede kose i brade, a često nosi plavu tuniku u žutom ogrtaču. Paul je uvijek blago ćelav, tamne kose i brade, u crvenom ogrtaču preko plave ili zelene odjeće.

"Pokornica Marija Magdalena" od Tiziana

Pokornica Marija Magdalena portret je svete Marije Magdalene Ticijan iz oko 1531. godine, s potpisom 'TITIJAN' na posudi s lijeve strane. Prema zapletu, riječ je o ženi s raskalašenom prošlošću, koja je, prema Evanđelju (Luka 7, 36-50), došla u kuću farizeja Šimuna zamoliti Isusa za oprost. To je ženska figura koju prikazuje Tizian debelim, koncentriranim potezima i toplim tonovima. Paleta ističe nevjerojatne oči natopljene kristalnim suzama. Bakreno plava kosa koja prekriva lik nevjerojatno je ispisana. Tema pokajane Marije Magdalene, koja je podigla pogled prema nebu, stekla je veliku popularnost u Italiji u 16. stoljeću među aristokratima, vjerskim vođama i bogatoj srednjoj klasi. Nedostatak odjeće simbolizira odbijanje Magdalene od nakita, zlata i svjetovnih hobija radi vjere u Krista. Osim toga, zlatna kosa i ukupna figura Magdalene zadovoljavaju standarde renesansne ljepote.

"Madonna Litta" Leonarda da Vincija

Slika je dobila ime po milanskoj plemićkoj obitelji u čijoj se zbirci nalazila većim dijelom 19. stoljeća. Godine 1865. ruski car Aleksandar II kupio je platno za Ermitaž, gdje je izloženo do danas. Ovo djelo prikazuje Madonnu koja doji Kristovo dijete. Obratite pažnju na odsutnost duhova na ovoj slici. Brojna Leonardova platna pokazuju istu značajku. Figure su postavljene u tamnom interijeru s dva lučna otvora koji prikazuju pogled na planinski krajolik. Zanimljiv detalj: u središtu slike, u Kristovoj lijevoj ruci, nalazi se češljugar koji je simbol muke Kristove.

Osjećaj radosti majčinstva na slici "Madonna Litta" posebno je divno prikazan zahvaljujući bogatstvu same slike Marije - ovdje je pronašao svoj zreli izraz Leonardove ženske ljepote. Nježno, lijepo lice Madonne daje posebnu duhovnost poluzatvorenim očima i lagani osmijeh. Kompozicija slike zadivljuje svojom upečatljivom jasnoćom i savršenstvom. Madona i dijete bili su uobičajeni motiv u kršćanskoj umjetnosti tijekom srednjeg vijeka, a nastavili su se i u renesansi.

"Svirač lutnje" Caravaggio

Sliku je naručio kardinal Francesco del Monte, koji je pokrovio umjetnika. Caravaggio je prikazao mladića fasciniranog glazbom: pogled mu je pun nadahnuća, prsti se drže za žice. Lik mladića u bijeloj košulji jasno se ističe na tamnoj podlozi. Oštro bočno osvjetljenje i sjene koje padaju daju objektima gotovo zamjetljiv volumen i težinu. Predmeti postavljeni na slici svjedoče o umjetnikovoj velikoj ljubavi prema svijetu oko sebe, želji da istinito reproducira prirodu, prenese materijalnu kvalitetu svakog detalja. Na bilježnici koja leži ispred heroja s lutnjom ispisane su uvodne note madrigala popularnog u 16. stoljeću "Znaš da te volim".

Ljubav kao temu ovog djela ukazuju i drugi predmeti. Na primjer, napuknuta lutnja bila je metafora ljubavi koja ne uspijeva. U osvit kreativnosti, Caravaggio je mladim ljudima često davao ženstvena obilježja, što je, međutim, bilo tipično za talijansku umjetnost s kraja 16. stoljeća. Zanimljivo je da je glazbenika sa slike iz Ermitaža često zamijenili za djevojku, a kompozicija se zvala "Svirač na lutnji".

"Dama u plavom" Thomas Gainsborough

Jedno od najboljih umjetnikovih djela - "Dama u plavom" - stvorio je Gainsborough u jeku svojih kreativnih moći. Lik mlade žene u otvorenoj haljini od prozirne bijele tkanine nježno se ističe na tamnoj podlozi. Njezina puderasta kosa oblikovana je u neobičnu frizuru. Velike kovrče padaju preko nagnutih ramena. Svježinu mladolikog lica naglašavaju poluotvorene usne i tamne oči u obliku badema. Laganim pokretom desne ruke drži plavi svileni šal. Sivkasti, plavkasti, ružičasti i bijeli tonovi tu i tamo pojačani su svijetlim potezima i pomažu u prenošenju elegancije i ljepote modela.

Hrabrost Gainsboroughovih slikovnih tehnika zadivila je njegove suvremenike. Dakle, Reynolds je primijetio "čudne točke i značajke" na slikama Gainsborougha, "koje se čine vjerojatnijim rezultatom slučajnosti nego svjesne namjere". Ta neakademska tradicija jedno je od najvećih postignuća Gainsborougha. "Gospođa u plavom" ušla je u Ermitaž 1916. iz zbirke A. 3. Khitrovo oporukom.

Povratak izgubljenog sina Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Ovo remek -djelo biblijske umjetnosti još jednom potvrđuje Rembrandtov status jednog od najboljih slikara svih vremena i najvećeg od svih starih majstora u prikazivanju biblijskih scena. Slika Povratak izgubljenog sina, koju je umjetnik dovršio u posljednjim godinama svog života, prikazuje prizor iz prispodobe iz Luke 15: 11–32. Prema riječima izvanrednog likovnog kritičara Kennetha Clarkea, platno je jedno od najvećih slika svih vremena. Prema zapletu, otac, poput patrijarha, polaže ruke na ramena obrijanog pokajnika i odjeven u dotrajalu odjeću. Oči su mu gotovo zatvorene. Čin opraštanja postaje blagoslov gotovo sakramentalnog sakramenta.

Ovo je slika s najvećom duhovnošću, oslobođena svih anegdotskih aspekata, u kojoj su se svi pokreti i radnje zaustavili. Prizor tone u mrak, poput tunela, iz kojeg blijedo sjaje lica oca i njegovog najstarijeg sina. Njihove crvene haljine daju sjaj ovoj tami. Rembrandt je više puta slikao na temu izgubljenog sina, ali u ovoj monumentalnoj uljanoj verziji došao je do svoje najuzbudljivije i - zahvaljujući kontrastu najstarijeg i mlađeg (rasipnog) sina - psihološki najteže formulacije.

"Ples" Henrija Matissea

"Ples" je jedno od najpoznatijih djela Henrija Matissea - oda životu, radosti, fizičkog odbacivanja i simbol suvremene umjetnosti. Komad je naručio utjecajni ruski kolekcionar Sergej Ščukin 1909. godine za ukrašavanje svoje vile. Obilježena jednostavnošću i energijom, ova umjetnička orgija ostavila je neizbrisiv trag u umjetnosti 20. stoljeća. Ples je napisan na vrhuncu fovističke estetike i utjelovljuje emancipaciju tradicionalnih zapadnih umjetničkih tradicija. Estetski izbor Henrija Matissea za ovu sliku izazvao je pravi skandal u umjetničkim salonima 1910. godine. Odvažna golotinja i grube nijanse dali su slici izvanredan karakter za to vrijeme, što se u očima nekih gledatelja činilo barbarskim.

Matisse je koristio samo tri boje za prikaz ovog plesa: plavu, zelenu i crvenu. U skladu s tradicionalnim fovističkim asocijacijama boja, ove tri nijanse stvaraju intenzivan kontrast. Međutim, Matisseov cilj nije bio šokirati publiku. Naprotiv, nastojao je ujediniti ljude međusobno i s prirodom. Kao što je umjetnik rekao: "Ono o čemu sanjam je uravnotežena, čista i mirna umjetnost koja može izbjeći nevolje ili razočaranja."